Музыкальные занятия 2012

[Юля]

     15 января прошло первое занятие по музыке в новом 2012 году. Оно для меня было очень значимым не только по своему наполнению, настроению и результатам, но и потому, что чувствую начало нового этапа. Занятия предыдущего года создали для меня необходимую основу – творческую, исследовательскую, опытную, практическую – для выхода на свое направление, в котором хочу работать и которое связывает воедино различные виды моей профессиональной деятельности. Название пришло накануне Нового Года – Школа музыкального миротворчества. Идею курса мне еще предстоит глубоко проработать – нужна серьезная научная база, дальнейшая учеба, нужны исследования, практика и творческий опыт. Главное – положено начало!
     Идея Школы музыкального миротворчества подразумевает обучение игре на этнических музыкальных инструментах, которое раскрывает единство законов музыки и жизни, помогает прожить на собственном опыте и в игре различные звуки, созвучия, ритмы, мотивы и увидеть во всем общее зерно. Кроме того, народные музыкальные инструменты создают богатейшую среду для творчества, для исследования и самопознания. Игру на музыкальных инструментах и Музыку (c греч. «исследовать, ощупывать», познавать гармонию, созвучие) можно раскрыть как естественное состояние души и как естественную способность каждого человека. В музыкальных традициях народов мира, в их удивительной красоте и в разных гранях проявляются в самой живой форме единые духовные принципы и законы мироздания, которые я изучаю и исследую на практике и творческом опыте.
     Исследования различных музыкальных культур выявляют ключевую особенность традиционной музыки всех народов – миротворчество. Человек в традиционной культуре не мыслит себя вне окружающего мира божественной природы, космоса, вселенной как живого организма, в котором жизненно важно видеть, поддерживать и сохранять гармонию и единство. Основа этой гармонии лежит в сфере духовной и проявляется в сакральном отношении к природе. Традиционная музыка создавалась и создается с целью взаимодействия человека и мира, с целью продолжения жизни на земле, процветания, гармонизации и единения. Именно поэтому она хранит в себе те природные, биологические, здоровые (т.е. направленные на здоровье), гармоничные ритмы и звуки, которыми звучит мир.
     Благодаря богатству русского языка и многозначности слова «мир», мы здесь выходим на несколько взаимосвязанных смыслов музыкального миротворчества.
     1. По целям творчества:
     Миротворчество как музыкальное творчество, направленное на достижения мира, гармонии и единства с окружающим миром, на «со-бытие» звуков («Музыка как искусство Любви» по Платону).
     2. По предмету творчества:
     Миротворчество как творение человеком будущего мира (своего, своей земли, своего дома, своего этноса, своей культуры). Если мы осознаем, что с помощью звуков мы творим мир, в котором будем жить мы и наши близкие, то начинаем задумываться и внимательно относиться к своим мыслям, внутреннему состоянию, образам во время музыкальной игры – и как следствие – в жизни.
     3. По способу творчества:
     Миротворчество как мирное творчество, действие, проведенное с помощью Лада и Любви. Здесь Лад и Любовь выступают как способ.
     4. По исполнению и участию:
     Миротворчество как совместное творчество, действие, произведенное всем миром – т.е. все вместе. Нет разделения на исполнителей и слушателей, нет преград, все вместе, все едино.
     Получается: Музыкальное миротворчество означает – всем Миром, на благо Мира, через искусство Мира, к созданию Мира с помощью музыки.
     Если наш мир был создан Словом-Звуком, звуковой вибрацией, то сколько мистицизма и возможностей для творчества имеет даже одна отдельно взятая нота. Даже одной нотой можно творить, обращая внимание на мысли, внутреннее состояние, образы, которые мы вкладываем в звук. А если опыт показывает, что с помощью звуков мы творим мир, то, конечно, мы будем думать – а какой мир моей мечты, который я хочу создать? Чтобы в нем было хорошо мне, моим близким, друзьям.
     В изучении любой науки есть два пути, которые в различных школах используются в том или ином соотношении: 1 – изучение теории и наработка техники; 2 – движение к той же самой цели через творчество, наблюдение и осмысление. С точки зрения музыкального миротворчества я вижу в качестве основы второе – музыка через творчество, наблюдение и осмысление, при которых технические приемы осваиваются не механически, но как бы возникают из самой природы человека во время его игры, в моменты творчества и вдохновения. Сколько же радости тогда будет привнесено в нашу жизнь музыкой, если она будет чиста от образов, которые препятствуют ее проявлению! И что еще важно: исходя из подхода миротворчества можно сразу (не ожидая долгих месяцев и лет, пока выучишь все упражнения, гаммы, аккорды, произведения) играть музыку, творить музыку, выражать в ней душевное движение!
     Здесь можно возразить, что не каждому человеку дано быть творцом в музыке, кому-то творцом, а кому-то исполнителем. Я думаю, что в каждом из нас есть творец и творческое начало. Высшее искусство исполнения великих шедевров мировой музыки тоже невозможно освоить чисто механически: творчество композитора будет жить и звучать, когда оно наполнено жизнью и творческой силой исполнителя. Тогда мы можем сказать: да, правда, правду играет.
     Встает вопрос, как это все можно применять на практике. Перейду к описанию класса на примере гитары (на занятие ко мне пришли те, кто хочет осваивать этот инструмент). Для того, чтобы начать играть на инструменте, первое, что нужно сделать – это его настроить. Для того, чтобы настроить инструмент, нужна единица измерения. В музыке – это нота. Что же такое нота?
     Звуковое пространство можно обозначить бесконечной прямой, которая идет в двух направлениях – вверх и вниз, меняя свою высоту. Любая взятая на этой прямой точка является нотой. Однако в музыкальной среде мы можем слышать такие фразы, как: «что-то не строит», «настроить, состроить инструменты». О чем здесь идет речь? О том, что мировая музыкальная наука увидела и осмыслила такие точки на этой прямой, которые в сочетании друг с другом дают гармоничное звучание – т.е. выявила законы гармонии. Над этим много работал Пифагор, результатами исследований которого стала диатоническая гамма (ноты – до, ре, ми, фа, соль, ля, си). Эта диатоническая гамма стала основой классической европейской и западной музыкальной традиции – звукорядом, своеобразным языком, к которому обращаются все музыканты. Т.е. эти ноты «строят» между собой, расположены друг относительно друга на определенном расстоянии и имеют совершенно определенную частоту звучания в герцах, которую можно измерить. Фраза «инструмент расстроен» означает, что ноты, которые звучат, не соответствуют тем точно определенным «до, ре, ми, фа, соль, ля, си», но от этого они не перестают быть нотами и также продолжают находиться на этой бесконечной звуковой прямой. Примеров здесь можно привести огромное множество: начиная с народных музыкальных инструментов в разных культурах, которые никто не измерял по физическим величинам и которые по этой причине могут не строить с инструментами классическими, профессиональными (с фортепиано, оркестровыми флейтами, синтезаторами, вибрафонами и т.д.). Заканчивая инструментами неевропейской традиции – турецкий саз, индийские ситар и вина. Их музыка имеет вообще свое, другое деление этой бесконечной прямой по гармоничным нотам – т.е. имеет свой лад. А сколько разнообразных оттенков, высот и звуков имеет музыка природы! На первом этапе освоения музыкальной науки мы будем обращаться к европейскому звукоряду – до, ре, ми, фа, соль, ля, си.
     Я назвала строй гитары (ми-си-соль-ре-ля-ми) и показала способ настройки гитары по ладам. Дала это в качестве технических параметров: первая цифра – номер струны, цифра в скобках – номер лада, на котором ее нужно зажать.

     1 (0) = 2 (5)
     2 (0) = 3 (4)
     3 (0) = 4 (5)
     4 (0) = 5 (5)
     5 (0) = 6 (5)

     На примере этой чисто теоретической информации мы провели следующую практическую работу. Строй – это параметры, определенные технические характеристики, при которых музыка, сыгранная на инструменте, будет соответствовать замыслу. В общем-то наш организм, как и все вокруг, тоже имеет свой строй. Действия расстроенного человека, его слова, музыка, поведение будут сильно отличаться от тех же самых его действий в стройном, радостном состоянии и хорошем самочувствии. Чтобы наши действия соответствовали Замыслу – нам нужно научиться искусству настраивания и в музыке, и в жизни. Для игры на музыкальном инструменте нам нужно настроить: себя, инструмент, а также сонастроить себя с инструментом. Исходя из этого понимания мы учились держать гитару: сидя прямо, выстроенно по природным точкам, наблюдая за тем, чтобы сила текла свободно во всем теле, чтобы движения были удобными, легкими, свободными. Если появляется напряжение, значит где-то произошел зажим, сбой, искривление. Нужно понаблюдать, проследить и убрать.
Мы попробовали извлечь звук из каждой струны правой рукой приемом апояндо. Задача заключалась в следующем: извлечь звук с опорой на следующую струну спокойно, медитативно, созерцательно, не применяя физических усилий, но просто давая движению течь, используя вес руки и указанное ею направление. Вторая задача во время звукоизвлечения заключалась в умении слушать. Слух есть у каждого из нас. Просто важно однажды направить туда свое внимание, тогда постепенно утонченность восприятия будет возрастать. Мы слушали струны, определяли на слух высоту звучания и соответствие ноты настраиваемой гитары ноте инструмента, по которому производится настройка.
     Чтобы перейти к совместной игре, я дала для разучивания на первом уроке одну единственную аккордовую модель, построенную на трех струнах. В музыкальной терминологии – это модальный аккорд, в основе которого лежит не трезвучие, а основной звук, его квинта и его октава. Чем он удобен:
     - легко брать (всего 3 струны);
     - в нем нет ноты, определяющей мажор или минор, а значит во время аккомпанемента он может использоваться вместо и того, и другого;
     - с помощью только этой одной модели, сыгранной на разных ладах, можно аккомпанировать любой музыке.
     Играли аккорд тремя способами: арпеджиато, перебором и «боем».
     Потом я рассказала о трех ролях в музыкальном миротворчестве:
     - Устроителя-творца, который своей игрой задает ритм, темп, границы и все основные параметры звуко-музыкального пространства. В своем звуко-музыкальном творчестве он создает землю, некий постоянный фундамент, сильное положение, на которое можно опереться, в которое можно встраиваться и которое предсказуемо. Поэтому здесь очень важна игра, основанная на повторности одной и той же фигуры. Это очень важно как для музыки, так и для жизни – весь мир, космос, вселенная живут в определенном ритме. На земле это находит выражение в смене дня и ночи, зимы, весны, лета и осени, в годовых циклах. Все эти природные ритмы и сонастроенность с ними создают космос (порядок), здоровье и гармонию.
     - Художника-творца или Художников-со-творцов, которые являются создателями жизни и разных образов (например, деревьев, цветов, рек, птиц, гор, животных и т.д.) в этом звучащем пространстве с помощью музыкальных инструментов. Здесь важно умение встраиваться, сонастраиваться и совмещаться со звучанием мира, который задает устроитель. При этом создаваемые образы (музыкальные фигуры) должны быть постоянными, полноценными, непризрачными, чтобы остальным можно было легко встраиваться. Тогда другим будет комфортно в нем творить и ориентироваться. Если говорить об образе дерева, то с одной стороны, оно есть постоянно и растет в определенном месте, но оно, оставаясь в этом месте, все же растет, т.е. меняется. У него появляются новые веточки, почки, листочки, цветы, плоды. Это значит, что музыкальные фигуры при их постоянстве могут развиваться, варьироваться. Роли жителей земли и создателей образов могут выполнять все, в том числе те, кто первый раз взял в руки музыкальный инструмент.
     - Мыслителя-творца, который дает миру движение, развитие. Любой мир должен жить, развиваться, изменяться, двигаться. Без этой роли музыка становится скучной, неживой, монотонной и замкнутой в мертвый образец. Роль движения может взять на себя один, два или больше человек с опытом свободного владения мелодическим музыкальным инструментом. В принципе движение и развитие могут давать и струнные и ударные инструменты, однако здесь важен опыт игры и умение создавать мелодии.
     Для всех участников игры важны еще несколько моментов:
     - Так как пространство звучания имеет определенные границы, то важно всем, кто в нем участвует, давать другим место для жизни, не заполнять все собой. Заполнение пространства собой – это творение своего мира и пространства, которые самодостаточны. В совместной игре важно видение других участников и взаимодействие с ними на общей земле.
     - Внимание важно распределить одновременно в нескольких направлениях: созерцать общее звуко-музыкальное пространство (видеть, что вокруг происходит), вписываться в него и с ним взаимодействовать через творчество и собственное движение.
     Роли распределили следующим образом. Один гитарист, играя новый разученный аккорд на свой лад, выполнял роль устроителя. Роль художника-творца выполняли другие участники с помощью простых перкуссионных (ударных и шумовых) инструментов. И роль мыслителя-творца, дающего движение, я взяла на себя, т.к. просто имею больший опыт в музыке.
У нас получилось три композиции. По составу инструментов они были следующие: 1 – гитара, перуанские чачас, флейта североамериканских индейцев; 2 – гитара, марокканский бендир, гитара; 3 – бендир, вьетнамская педальная трещотка, тепонацтли, барабан сновидений. Все три музыкальные картины мира были очень живые, светлые, радостные и красивые. Жаль, не было возможности сделать видео-запись. Да я сама честно говоря не предполагала, что на первом уроке курса по обучению игре на этнических музыкальных инструментах может родиться музыка, которую захотелось бы зафиксировать и слушать! Хотя все равно именно текущий момент, сам процесс и само состояние музыкального миротворчества были наиболее ценными. Все четыре условия были выполнены:
     - мы играли вместе и совместно, т.е. миром;
     - игра была направлена на «со-бытие», созвучие и гармонию;
     - во время игры нам было спокойно и радостно на душе, мы действовали в ладу;
     - в игре мы создавали разные живые музыкальные картины мира, наполняли их добрыми образами, которые нам по душе, а значит создавали мир с помощью музыки.
     Когда занятие завершилось, каждый вышел с желанием запомнить и сохранить в сердце то, чем оно звучало.

[Юля]

     Занятие 22 января было интересным, но непростым. Мне оно принесло много важных наблюдений, поставило новые вопросы в области музыкального миротворчества и обозначило дальнейшее направление исследований. 
     Я начала с настройки инструментов. Задание выполняли вместе: каждый пробовал вслушиваться в звучание, чувствовать разницу звуковых высот, регулировать натяжение струн на гитаре. Потом мы повторили аккорд, разученный в прошлый раз, поиграли его разными приемами. У всех левая рука имела хорошую, ровную, свободную позицию, и никто уже не испытывал трудностей с зажатием ладов. Диана сказала, что действительно, если каждый день играть понемногу, рука привыкает и начинает естественно, без дополнительных усилий зажимать струны на грифе.
     Потом я предложила поиграть вместе те музыкальные композиции, которые у нас родились на прошлом занятии. Мы стали играть. Формально, по составу инструментов, музыкальным фигурам и структуре все было то же самое. Но если брать шире – звучание музыки, ее движение, настрой, силу, а также состояние играющих – все было совершенно другим. Настолько другим, что я даже не ожидала. Когда мы стали обсуждать игру, то Диана и Наташа сказали, что в прошлый раз музыкальное миротворчество было во второй половине занятия, когда все разогрелись и разыгрались – поэтому все звучало очень живо и красиво. А сегодня все пришли с мороза, еще не «раскатались», поэтому и игра другая.
     Думаю, что здесь, конечно, есть еще очень много различных факторов, которые нужно отслеживать, наблюдать и исследовать – потому что они во многом и определяют жизненное наполнение музыки (если, конечно, мы говорим не о механическом исполнении, но о живой, миротворящей, совместной игре). Какие это факторы: настроение и внутреннее состояние участников, целеустроение каждого во время конкретной игры (осознанно или неосознанно оно может меняться), внутренняя сонастроенность, взаимослышание, взаимочувствование. Кроме того, включение новых людей в совместное миротворчество вызывает необходимость хотя бы минимальной подготовки, а также озвучивания и принятия договоров о совместной игре. Ведь во время музыкального миротворчества мы действительно оказываемся в общем пространстве взаимодействия, где состояние и целеустроение одного влияет на всех. Уже после занятия выяснилось, что один из новых участников во время игры неосознанно выполнял другую (немиротворческую) цель, которая в контексте общей игры была мироразрушающей. Благодаря этому опыту я поняла, что мне как руководителю школы и хозяйки своих занятий нужно создавать мир и защищенное пространство для музыкального миротворчества, а также быть на страже этого мира, выделяя на это часть внимания.
     В качестве нового упражнения я предложила поиграть модальный аккорд в двух позициях: с пятой струны четыре раза, потом с четвертой струны четыре раза – и так по кругу, чтобы передать в игре единое звучание единым движением. Когда начали играть, у всех между одним и другим аккордом стали возникать большие паузы, движение прерывалось. Стали смотреть, почему. Обратили внимание на то, что при единой схеме расположения пальцев в первом и втором аккорде, все почему-то при переходах начинали выстраивать ее заново. Я это сравнила с ходьбой: мы встаем, выстраиваем себя по горизонтали, делаем шаг, а потом, вместо того, чтобы просто идти дальше, мы почему-то падаем, наклоняемся или любым другим образом сбиваем вертикальную позицию и начинаем заново себя выстраивать, чтобы сделать второй шаг. Это еще похоже на пьяницу, который встал, сделал шаг, упал, снова встал и сделал второй шаг и т.д. А ведь во время обычной ходьбы в жизни мы, как правило, не сбиваем своей выстроенности по вертикали. Так и на гитаре. Чтобы перенести схему пальцев с одной струны на другую, ее не нужно сбивать. Просто взять и перенести, сохраняя свою сборку и позицию пальцев. Тогда все паузы уйдут сами собой. После такого образного объяснения мы посмеялись, попробовали поиграть - и все получилось, паузы ушли. Потом мы стали играть по кругу – в это время гитаристы отрабатывали переходы и аккорды, а я встраивалась игрой на различных мелодических инструментах. Когда появилась уверенность в игре переходов, мы перешли к совместному музыкальному миротворчеству.
     Во время игры возникли следующие вопросы и наблюдения.

     1. Как неуверенность в игре на инструменте преобразовать в уверенность, с самых первых шагов освоения музыки? Состояние неуверенности возникает, когда мы берем в руки малознакомый инструмент и с ним нужно что-то делать в совместной игре. Здесь могут включиться разные страхи, установки, запреты и другие помехи, которые сразу сказываются в общей игре. «А вдруг я что-то испорчу. А если получится невпопад. Я ничего не умею. А что, если ошибусь» - и так далее. И это естественно. В этом отношении я хочу сразу обозначить мое видение наших занятий.
     Своим направлением в преподавании музыки я выбрала музыкальное миротворчество – как путь обучения игре на инструменте для каждого, кто хочет выражать душевное движение в музыке, как путь самопознания и изучения законов жизни в музыке, как путь совместной Игры и живого Творчества. Это создает особые условия обучения. Какие? Я уже не раз говорила и писала о том, что Платон слово «музыка» производит от греческого глагола «ощупывать, исследовать», а «мусический» применяет в смысле «образованный», т.е. человек знающий, ведающий жизнь и ее законы. А как мы можем ведать законы жизни, не пропуская их через собственный опыт, а заучивая механически какие-то приемы или удачные образцы? Порой мы думаем: вот, я сейчас выучу все приемы и упражнения, тогда можно будет играть. Но что самое интересное – сколько бы приемов и механизмов мы не отработали до совершенства, жизнь всегда предоставит нам миллион ситуаций, в которые они не впишутся. Тогда можно учиться другому – музыке как живому исследованию, живому знанию. «Музыкальное миротворчество» предполагает живой процесс и живой опыт музыкальной игры, который включает в себя «ощупывание, исследование» созвучного и несозвучного, гармоничного и негармоничного, открытие самых разных звучаний и возможностей, которые нам дает жизнь. Игру в музыкальном миротворчестве можно сравнить с ручьем: он бежит везде, проходит по самым разным почвам, камням, изгибам, встречается с преградами, добирается до пустыни, где, превращаясь в пар, идет на небо и вновь возвращается на землю проливным дождем. Его движение нигде не останавливается, ничего не боится. Оно проявляется в самых разных гранях жизни.
     Этот образ можно перенести и на музыкальную игру. Вот, например, я беру в руки незнакомый мне инструмент - африканскую калимбу. Что я могу с ней делать? Играть! Приведу один из огромного множества вариантов исследования во время совместной игры: «Я беру калимбу первый раз. Интересно, как она звучит и как она впишется в общее звучание. Пробую. Звучит интересно, хорошо. У меня получилось! Попробую еще раз. Классно! Я играю! А вот сейчас что-то не то. А, я просто забыла об общей музыке и обо всех, а увлеклась своей игрой и звуками этого нового для меня инструмента. А что это значит – я двигаюсь по музыкальной земле, врезаясь в горы, камни, деревья, словно слепая. На ручей не похоже. Набиваю шишки. Дискомфортно. Оглянусь-ка вокруг – а, вот он, мир! Пробую попасть в ритм его движения, быть гибкой и видеть все, что меня окружает в звуках. Получается. А сейчас попробую с ним поговорить. Тоже получается». И так далее.
     Очень важно во время общей игры в музыкальном миротворчестве не бояться ошибаться. Это значит – не бояться жить! Делать каждый шаг, выраженный в звуке, полноценным! Тогда и опыт, и полученное знание у нас будет полноценным. Так постепенно мы научимся текучести, гибкости ручья, и наши «неправильные шаги в музыке» (в кавычках, конечно, так как нет неправильных нот и шагов, как в музыке, так и в жизни) не будет приводить нас в состояние шока, остановки, ступора, но будут живым поиском, течением, движением, исследованием. Если возникает ошибка или нестройность – пусть это будет звучать полноценно, чтобы это можно было почувствовать, понять и исправить. Да и всем участникам игры так будет намного легче и удобнее – не будет музыкальных призраков-приведений, которые то есть, то нет, которые имеют какие-то неопределенные очертания и образы. Полноценное действие, осознанность и наблюдение – это опыт, это жизнь, это правда, это необходимое условие музыкального миротворчества.

     2. Как качество звучания, заданного устроителем, может создавать трудности для включения в совместную игру? Несколько раз, когда мы начинали играть, каждый пробовал себя в роли устроителя-творца звукового пространства. В этот раз мы обратили внимание на то, что часто нам трудно вписываться в это пространство из-за тихого звука. Интенсивность звучания, которое задает устроитель, определяет во многом тон, характер и палитру игры других участников. Например, если мы задаем очень тихое звучание, то его можно сравнить с очень изящной и деликатной работой. Чтобы вписаться в этот музыкальный мир, нужно с ним сонастроиться – а значит использовать очень тонкие ходы и тихие звучания. А это на первых порах не просто, особенно на шумовых и ударных инструментах, хотя возможно. Поэтому, чтобы не создавать дополнительных трудностей, мы договорились обозначать музыкальное пространство полноценно, уверенно, ярко, чтобы другим было легче вписываться.

     3. Как связан мир образов и мир живого звука в игре музыканта? Как проявляется чара в музыке? Из каких уровней состоит процесс музыкального миротворчества и как они между собой связаны? Вопросы сложные, и их нужно исследовать. Напишу лишь о некоторых важных наблюдениях, которые были сделаны во время этого занятия.
     Во время музыкального миротворчества мы имеем дело со следующими составляющими этого процесса:
     - с миром образов, миром идей. Во время совместной игры мы начинаем на него обращать свое внимание, творить, наблюдать, как эти образы проявляются и живут в звуке, согласуются между собой.
     - с миром материальным, живым, где мы сидим, играем, держим музыкальные инструменты, которые во время игры являются продолжением нашего тела, видим друг друга, ощущаем физический, материальный мир;
     - с чарой, с магической силой звука, которая живая и которая действует в силу своей природы;
     - с осознанностью,  которая в музыкальном миротворчестве проявляет нас как хозяев собственных действий, решений и дает понимание того, что мы делаем и что происходит вокруг.
     Во взаимодействии этих составляющих есть много тонкостей и нюансов. Так, в жизни мы встречаемся с различными ситуациями и укосами в одну из этих составляющих миротворчества. Например.
     Игра в мире образов. Это очень интересно. В ней мы учимся творению образов, мыслей, слышим их звуковое выражение. Вместе с тем при полном перемещении внимания в мир образов теряется ощущение этой реальности, происходит уход, а иногда и сбегание из того мира, в котором мы живем, действуем, осознаем, где стол – это стол, и его можно ощутить рукой, где молоко – это молоко, его можно выпить, где хлеб – это хлеб. Это творение образов и жизнь в виртуальном мире.
     Игра в мире материальном. Это техническая игра через мышечную память, технику, телесность. Это точное и четкое исполнение, звукоизвлечение. Но это игра без-образная, в ней нет образов, чистая механика.
     Зачарованная игра. Когда мы хотим быть зачарованными музыкой – не думать, не осознавать, а просто находиться в чаре звука, ритма, в трансе. При отсутствии осознанности мы здесь полностью теряем себя. Состояние, открытое для манипулирования нами с помощью звуков. Другой пример - это когда мы берем автохтонные племенные музыкальные инструменты, например, джембе, диджериду – и уходим в магию ритмов и звучаний, не ведая всех нюансов культурного и обрядового контекста, в которых они используются. Последствия могут быть самыми разными, вплоть до разрушительных.

     Музыкальное миротворчество – как я его понимаю. Если обратиться к мифологии разных народов, то мы увидим следующую информацию о музыканте и предназначении музыкального творчества. Нам известно много образов божественных музыкантов: Вайнямёйнен, играющий на кантеле; Кришна, играющий на флейте; Орфей, играющий на лире и другие. В большинстве изображений мы видим музыканта, сидящего в центре мироздания у Мирового древа – цветущего, плодоносящего, со множеством животных и птиц вокруг, которые откликаются на игру музыканта-творца и объединяются в единый мир, полный гармонии и любви. На кроне Древа – птица-душа человека, к которой также обращена эта музыка. А музыкант своей игрой выстраивает пространство Вселенной по горизонтали и вертикали, объединяя миры, в том числе и мир идей-образов, и мир физический, материальный, в котором мы живем, пропуская это через осознавание, творчество и магию звука. Таким образом происходит миротворчество – превращение мира из хаоса в космос (порядок). Это высшее, сакральное знание и то высшее предназначение музыканта, то понимание, которое мне доступно на данном этапе.
     Исходя из этих наблюдений в следующий раз я планирую перед началом игры выделить время для того, чтобы каждый мог высказать свое целеустроение в музыкальном миротворчестве. А после игры - в зависимости от индивидуальных целей участников, сверять воплощение их целей с замыслом, исследовать результаты, различия и сходства между желаемым и полученным.

[Юля]

     Почему во время игры мифологический герой - божественный музыкант связывает воедино различные миры и все составляющие музыкального миротворчества (в рассматриваемом нами конкретном случае - мира образов, мира материального, магию звука и др.). Потому что использование только одной из составляющих вызывает изменение настроек целого, происходит искажение замысла, деформация единого организма.
     Вот, например, известно, что если в занятиях спортом мы направляем всю силу только на развитие конкретных мускулов, то постепенно мы достигаем этой цели, но за счет других органов. С другой стороны, отсутствие обычных нагрузок на мышцы в космосе в состоянии невесомости вызывают изменения в организме космонавтов. Учитывая это, они во время полетов выполняют специальные упражнения для поддержания мышц, чтобы потом на земле было легче восстановить ходьбу.
     Так и в музыкальном миротворчестве: негармоничное использование различных его составляющих и направление внимания лишь в один из миров вызывает изменения целого. Где внимание, туда и течет наша сила – значит, его лучше распределять по всем составляющим музыкальной игры. Мир образов может утянуть, механика увести в запрограммированные образцы, чара прельстить. Но все вместе, соединенное осознанностью, приводит нас к гармонии.

[Юля]

     Занятие 29 января начали с чаепития и обсуждения того, как идет игра на инструментах. Диана сказала о том, что когда дома играет переходы с одного аккорда на другой в темноте или не глядя на гриф, все получается гладко и без пауз. А когда включается зрительное восприятие и она смотрит на левую руку, то сразу возникают паузы, позиции сбиваются, правая рука попадает не на те струны. Почему это происходит? Мы еще раз поговорили о внимании: куда направляем взгляд, туда течет сила. Точечное внимание направляет силу в точку, на которую смотрим. Уследить в это время за всем остальным трудно (за правой рукой, струнами, по которым надо сыграть, за положением инструмента и т.д.) – внимание-то все в одной точке. Чтобы внимания хватало, оно может быть не точечным, а всеохватывающим – когда мы смотрим «рассеянным взглядом», равномерно распределяя его на всю музыкальную игру.
     Когда стали готовиться к игре, каждый уже настраивал свой инструмент сам, а я по мере необходимости немного помогала. Интересно, что все очень точно определяли разницу высоты звучания струн и их сонастраивали.
     Дальше решили повторить игру двух модальных аккордов с переходами. Я радуюсь тому, что нашла эту форму, потому что она дает очень большую свободу для начинающих музыкантов. Есть фигура на трех струнах – и ее можно взять на любом ладу, с любой из струн (6, 5 или 4) – и начать играть. Играть можно разными ритмами, переборами, которые можно и самим придумывать. А это большая степень свободы! Ведь от разных ладов звучание аккордов будет разным – и по тембру, и по настроению, и по наполнению. Вот и получается столько возможностей для творчества с самых первых шагов освоения музыки. Мы стали играть, каждый по очереди задавал свою музыку, свой музыкальный мир, остальные включались. Игра была единой, без пауз, чувствовалось, как течет сила.
     Когда мы играли модальные аккорды, перемещая конструкцию пальцев по струнам вверх и вниз (от шестой, пятой и четвертой струн), то после игры я спросила: как вы ощущаете эти аккорды друг относительно друга? Они одинаковые или разные? Какие ощущения у вас появляются во время переходов? Каждый рассказал о своих наблюдениях. Общим в этих наблюдениях было то, что все аккорды друг относительно друга имели различное смысловое и музыкальное наполнение. В одной последовательности можно было выделить два аккорда: основной и дополнительный. В другой – три: основной аккорд; аккорд, дающий развитие, движение вперед; и аккорд, требующий разрешения (он сообщает движение к центру, к началу). Причем эти функции могут меняться в зависимости от того, какой аккорд мы берем за точку отсчета. Это упражнение я не стала продолжать в русле разбора терминов музыкальной теории (тоники, доминанты и субдоминанты), но провела его через живой опыт участников музыкальной игры, через их наблюдение и осмысление.
     Мне как участнику и водящей было интересно наблюдать, как на практике воплощается принцип музыкального миротворчества и принцип живого исследования в музыке. Когда Диана задала ритм и тон и игры на басовых струнах гитары, Наташа очень деликатно на своей гитаре стала искать созвучия к музыке Дианы на верхних струнах. Было очень красиво. Если рассматривать этот процесс с точки зрения музыкальной теории – то ноты, которые играла Наташа в своем поиске, в большинстве своем не соответствовали тональности Дианы и по всем правилам должны были вызвать диссонанс и ощущение дискомфорта. Но этого не происходило! Музыка звучала живо, естественно, природно и гармонично. Конечно, то, что играла Наташа, не было мелодией. Основы построения мелодий – это отдельная тема. Но игра, музыкальный поиск Наташи на фоне гармонии и ритма, заданных Дианой, не были мироразрушающими, а наоборот – миротворческими и исследовательскими!
     После этой игры я поняла, что мы естественно, через опыт совместной игры подошли к новому шагу в изучении музыкального миротворчества – выражению душевного движения в мелодии. Как это можно попробовать сразу, на практике? Через какую универсальную форму, которая была бы простой и гармоничной? Я уже знала – через пентатонику, пентатонный звукоряд. Пентатоника (пента – пять) – это лад, состоящий из пяти нот, пяти ступеней. Если обратиться к образу, который я давала на первом занятии, что такое нота, получается следующее. На бесконечной прямой звуков, идущей вверх и вниз, есть пять точек (пять нот), расстояние между которыми можно измерить математически. Эти пять нот согласуются между собой, звучат в единой гармонии и в едином ладу, в какой бы последовательности их мы не играли. Это особое свойство пентатоники открыли для себя в древности многие народы – и коренные жители Северной и Южной Америки, и китайцы, и африканцы. В Индии есть раги, построенные на пентатонике; среди шотландских гэльских мелодий много пентатоничных; в татарской музыке мы тоже встречаемся с пентатоникой, да и в русских песнях пентатоника – это не редкость.
     Я показала удобную позицию, при которой можно сыграть пять нот этого звукоряда. Мы поиграли вверх и вниз. У всех получилось. Ноты обозначились. Что теперь с ними можно делать, чтобы получилась мелодия? У меня пришел в голову следующий образ. Игру по пентатонике можно сравнить с танцем души. Звуковое пространство – это небо, а пять нот пентатоники – это пять облаков, на каждое из которых можно ступить и не упасть вниз. Если попадаем мимо облака – падаем. И вот у нас такая задача: станцевать свой танец на пяти облаках с полной свободой движений, шагов, жестов, перемещений. Это мы умеем все, а уж в воображении точно! Да и в жизни,  когда нам хорошо и мы не думаем о том, как на нас и кто будет смотреть, ноги сами идут в пляс. Если это делать в реальном времени, без подготовки, понятно, что сначала нужно освоиться с шагами и облаками, поперемещаться по ним медленно, осознанно, чтобы привыкнуть к расстоянию, и так постепенно двигаться быстрее и свободнее и самое главное через свое творчество. Условие пока только одно: не выходить за пределы этих пяти облаков. Мы стали играть, пробовать ноты в разных сочетаниях.
     Один из нас был устроителем в музыкальном миротворчестве, задавал ритм и гармонию на двух аккордах, а остальные по очереди были творцами-художниками и их кистью была пентатоника. Когда Диана играла пентатонику, она выбрала игру подряд по нотам вверх и вниз. При этом даже когда подряд у нее не получалось, все ощущали при общей игре, что звучание гармонично. Наташа сразу стала пробовать играть пентатонику в разных сочетаниях, и это тоже очень вписалось в общее звучание.
     Когда стали обсуждать игру, пришли к следующему пониманию: с помощью пентатоники сегодня у всех получилось вписаться в музыкальное пространство миротворчества, побыть в этом пространстве, ничего в нем не нарушить и даже сделать маленькие шаги в разные стороны. Но что все захотели дальше – это творить мелодию. Это и будет одной из тем наших следующих занятий.
     Для подготовки к этому я предложила взять на дом следующие упражнения:
     - игру пентатоники вверх и вниз;
     - игру пентатоники вверх и вниз по одному разу каждую ноту, потом по два, по три, по четыре;
     - игру пентатоники в образе танца «два шага вперед, один назад» вверх и вниз по струнам.
     В конце занятия я еще задала вопрос по поводу песен: есть ли в целеустроении гитаристов цель петь и аккомпанировать себе на гитаре. Все сказали, что есть. Мы договорились, что к следующему занятию каждый напишет и принесет список тех песен, на которые откликается душа и которые хочется спеть. На него я буду ориентироваться в построении занятий, учитывая пожелания каждого.

     * * *
     Вот прошло уже третье занятие Школы музыкального миротворчества, и я обратила внимание на то, что мы еще ни разу не обратились к нотной грамоте, длительностям, интервалам, сольфеджио, тонам и полутонам, диезам и бемолям… Даже пока еще не знаем, какие аккорды играем на гитаре, от каких нот. И вообще названиями нот почти не пользуемся. Если подходить к процессу обучения академически – это, наверное, заслуживает критики. Если рассмотреть занятия с исследовательской точки зрения, то я поняла, что я их так выстраиваю не случайно. Хотя пока интуитивно.
     Теория – в переводе с греческого – созерцание, исследование. В преподавании разных наук бы привыкли разделять теорию и практику следующим образом: теорию «дает» преподаватель, а потом на практике мы это как-то должны применить и использовать. А как можно применить информацию, если она не пропущена через собственный опыт (за ней нет никаких своих образов у человека)? Когда отсутствует опыт в каком-либо деле, о котором идет речь, то информации не за что зацепиться, она пустая, абстрактная. От созерцания это слишком далеко.
     А что такое созерцание? Платон в диалоге «Федр» пишет (курсив мой – Ю.Б.): «Мысль всякой души, которая стремится воспринять надлежащее, узрев [подлинное] бытие, хотя бы и ненадолго, ценит его, питается созерцанием истины... При этом она созерцает знание - не то знание, которому присуще возникновение и которое как иное находится в ином, называемом нами сейчас существующим, но подлинное знание, содержащееся в подлинном бытии». Получается, что созерцание – это способность души. Это живое видение истины, которая есть суть вещей, которая не меняется. Кроме того, созерцание направлено на целостное видение мира и всех его составляющих в единстве: в нашем случае – музыки и жизни во всех ее аспектах.
     Как этому можно научить? На созерцание человек постепенно выходит сам, своим внутренним опытом, через саму жизнь. Возможно, поэтому я интуитивно провожу уже третье занятие без нот, музыкальной грамоты, сольфеджио в их академическом понимании, занятие, основанное на живой музыкальной игре и живом музыкальном миротворчестве, чтобы у каждого была возможность иметь свой опыт в музыке, наблюдать его, исследовать и по возможности созерцать. А обращение к созерцанию в музыки с самых первых шагов ведет нас постепенно к настоящему знанию и в музыке, и в жизни. От живого знания и опыта – к названиям и обозначениям, но не наоборот! Приведу еще одну мысль Платона, которого очень люблю, из диалогов «Пир»: «В созерцании прекрасного самого по себе…только и может жить человек, его увидевший... Так что же было бы…, если бы кому-нибудь довелось увидеть прекрасное само по себе прозрачным, чистым, беспримесным, не обремененным человеческой плотью, красками и всяким другим бренным вздором, если бы это божественное прекрасное можно было увидеть во всем его единообразии?... Неужели ты не понимаешь, что, лишь созерцая прекрасное тем, чем его и надлежит созерцать, он сумеет родить не призраки добродетели, а добродетель истинную, потому что постигает он истину, а не призрак? А кто родил и вскормил истинную добродетель, тому достается в удел любовь богов, и если кто-либо из людей бывает бессмертен, то именно он».
     Я поняла для себя, что важно в процессе освоения музыки (да и наверное любой другой науки) подходить к теоретическим понятиям через живой опыт и созерцание. Т.е. начинать с живой практики, а когда появятся наблюдения и опыт, перейти к тому, как это можно записать, назвать, обозначить – т.е. к нотам, длительностям, музыкальной грамоте и т.д. Тогда музыкальное знание будет рождаться изнутри человека, исходить из самой его природы и опыта и истины, а не информации извне. Этот принцип мне представляется очень важным и его я закладываю в основу Школы музыкального миротворчества.

[Юля]

     Занятие 5 февраля начали с обсуждения того, как идет игра на инструменте. Наташа сказала, что эта неделя у нее не была плодотворной в плане музыки, так как она не смогла дома настроить гитару. Пробовала играть, но все звучало настолько негармонично, что она не могла продолжать. Мы стали смотреть. Оказалось, что инструмент хороший, что в целом гитара сохранила свой строй, за исключением одной струны. И расстроенность всего одного (казалось бы незначительного) параметра – вывела из строя весь организм. Так, что даже охота играть ушла. Очень хороший музыкальный пример того, что мелочей в жизни не бывает! Когда мы перешли к настройке в классе, каждый настраивал свой инструмент сам, и у всех получалось. Потом мы поговорили, какие есть способы решения задачи настройки инструмента, если что-то не выходит. Я рассказала о специальных программах для настройки – их можно закачать в компьютер или телефон, а можно купить прибор под названием «тюнер», т.е. настройщик. Они помогают в трудных ситуациях. Но если перед вами стоит цель развития слуха, то лучше пробовать настраивать по звучанию самостоятельно – постепенно начнут открываться все новые и новые грани звука, восприятие будет утончаться.
     Потом мы перешли к игре двух модальных аккордов. В этот раз я показала новый прием – щипковый ритм. Когда мы поиграли переходы вниз и вверх, я показала переход на третий аккорд. Стали играть – задание пошло легко, у всех получалось. После игры я предложила, чтобы руки немного передохнули, послушать эти три аккорда в моей игре, попробовать к ним прислушаться и увидеть – как они звучат друг относительно друга, какие роли выполняют в музыкальном миротворчестве. В процессе обсуждения мы пришли к следующему.
     В музыкальном миротворчестве есть различные модели устроения – они работают во всех музыкальных произведениях, структурируют мир, определяют его параметры, границы, движение, характер, развитие. Одна из этих моделей – это аккордовая троица. Она состоит из:
     1 – основного аккорда, обозначающего Дом, центр.
     2 – аккорда, дающего Движение.
     3 – аккорда  Центростремительного, возвращающего к Дому.
     В музыкальной теории их принято обозначать словами с латинскими корнями:
     1 – тоника (Т)
     2 – субдоминанта (S)
     3 – доминанта (D)
     Мы поиграли эти аккорды по модальным конструкциям в следующей последовательности: Т-S-D-D (по кругу). Потом перешли к повторению пентатоники. Играли так: одна гитара задавала гармонию и ритм, вторая – играла мелодию-движение по пентатонике, остальные встраивались. Игра была гармоничной.
     В прошлый раз у нас был разговор о том, что многие хотят научиться играть на гитаре аккомпанемент к песням. В этот раз я предложила с помощью одной известной нам аккордовой схемы, взятой с трех разных нот (аккордовая троица), сыграть песню «Миленький ты мой». Перемещения по струнам показала визуально. Песню разучили по народному принципу «делай, как я». Поиграли, попели. А в конце занятия записали перемещения по ладам (для закрепления). Занятие получилось четким, последовательным.
     Какие мысли мне пришли в голову по поводу пройденного. Метод освоения игры на музыкальных инструментах, который творчески вырабатывается на занятиях, имеет следующие особенности:
     1. Основой обучения является совместная игра на инструментах и музыкальное миротворчество.
     2. Практика живой игры создает условия для исследования музыки, понимания ее принципов и законов.
     3. Обучение опирается не на музыкальные понятия и термины, их заучивание и техническую отработку – а на практику, опыт игры и исследование этого опыта.  После наблюдений мы даем им определения и сверяем их с музыкальными понятиями. Благодаря этому сфера музыки с первых моментов ее освоения становится живой, творческой, наполненной, дающей возможность для самостоятельного исследования.
     4. В основе первых шагов в игре на инструменте лежат всего на две простейшие схемы, дающие большие возможности для игры и творчества:
     - одна аккордовая структура (модальный аккорд на трех струнах) – с помощью которой можно сыграть модальный аккорд от любой ноты и создать аккомпанемент к любой музыке;
     - звукоряд из пяти нот (пентатоника) – с помощью которого можно творить и создавать различные мелодии.
     5. Использование и освоение во время занятий игры на различных этнических инструментах (мексиканского тепонацтли, индейских погремушек, африканских калимбы и джембе, марокканского бендира, индийской равантхи, тибетской поющей чаши, испанских ракушек и др.) помогает раскрыть для себя различные грани музыки, игры и музыкального миротворчества, законы музыки, ритма, созвучия, гармонии. А еще это делает игру интересной, разнообразной и радостной!

[Юля]

     Занятие 12 февраля было творческим и плодотворным. По сложившейся традиции начали с чаепития и обсуждения того, как идет музыкальная игра. Общим в откликах было то, что музыка и живая игра на инструментах постепенно становятся частью жизни, приносят хорошее настроение, состояние, создают атмосферу дома. Для меня это было радостью. Важным моментом в методике музыкальных занятий я вижу выстраивание образа игры на инструменте – не как «репетиции», отработки приемов и упражнений, техники, но как музыкальной медитации, как времени, которое мы выделяем в каждом дне для души, для молитвы, для радости, для творчества. При таком подходе охота играть не уйдет, а регулярная игра будет давать свои результаты.
     Мы настроили инструменты и обсудили целеустроение. Диана принесла джембе, и на этом занятии ей хотелось не только продвинуться с гитарой, но еще взять основы игры на барабане. Наташа хотела основное внимание сосредоточить на гитаре. Целеустроение было принято, и мы перешли к музыке.
     Начали с песни «Миленький ты мой». Взяли медленный темп, и песня зазвучала словно баллада. Сыграли хорошо. Во время игры я заметила у Наташи одно препятствие, которое она все время преодолевала. Оно заключалось в том, что при игре песни Наташа пыталась (помимо слов, мелодии, игры, переходов) просчитать количество тактов в игре каждого аккорда. То есть на первый план в музыкальной игре выходила математическая задача. Я еще раньше об этом задумывалась, видя, как многие, начинающие осваивать гитару, высчитывают количество аккордов в песне. Я внутренне чувствовала, что это задача, которая мешает игре, но не знала, как ее снять. И вот сегодня благодаря Наташиному вопросу мне пришло решение.
     Большинство народных песен и вообще всех хороших песен и мелодий построены по движению силы, по естественным линиям и интонациям, в которых есть опорные точки (их можно еще назвать точками силы и смысловыми акцентами, которые мы расставляем во время движения, размышления, речи). Движение по этим опорным точкам создает ритм. Так как движение силы основано на естественных линиях и интонациях, то мы всегда можем эти опорные точки ощутить внутренним, природным чувством. Не высчитывать математически, а раскрыть в себе это чувство. Увидев этот образ, я предложила проверить его на практике и сыграть вместе песню, не высчитывая количество аккордов математически, но менять их по внутреннему ощущению опорных точек. И у нас получилось!
     Потом этот образ получил развитие. Опорные точки создают плотности. Между ними пустота. Пустота дает при музыкальной игре эффект эха: беру один аккорд, он звучит, я накладываюсь на его эхо своим пением. Следующий также. И так далее. Если пойти дальше, то возникает вопрос: как разнообразить аккомпанемент? Разнообразить его можно через различное наполнение этих пустот между опорными точками-аккордами. Какие есть варианты наполнения:
     - арпеджиато (проводим большим пальцем по очереди по струнам вниз);
     - крупный перебор (на трех струнах это – 123-123);
     - мелкий перебор (123232-123232 или 12323_ - 12323_);
     - щипковым ритмом с разными фигурами.
     Все варианты мы попробовали.
     Потом исходя из этого я предложила сыграть песню, давая ей не механический, однообразный, безжизненный аккомпанемент, а такой аккомпанемент, который будет отражением душевного движения, которое идет в данный момент. То есть, например, одна пустота может быть ничем не заполнена и давать эхо. Другая – может быть украшена арпеджиато. В любой другой момент песни движение можно провести и усилить через крупный или мелкий перебор. Или придать ему силу в щипковом ритме. Главное – чувствовать опорные точки и в них вписываться. Такая игра у всех отозвалась. И у меня тоже – потому что этот образ соответствует моему видению музыки как творческого, живого начала. Получилось здорово. А еще интересно, что при таком подходе мы имеем свободу выражения душевного движения и настроения в музыке.
     После этого мы перешли к следующей задаче – основам игры на джембе. Я показала три основных удара на барабане, из которых складывается ритм, обратила внимание на разницу их звучания – от глубокого низкого по центру барабана до легкого высокого по краю мембраны. У всех получилось. Я предложила вместе поиграть. Показала Диане ритм, который у меня звучал в этот момент. А Наташе – вариант ритма для гитары со сменой аккордов. Сама взяла блок-флейту. Когда мы заиграли – прямо на наших глазах родилась живая мелодия, музыка, целый мир, жизнь, движение. Потом когда обсуждали эту игру, все увидели в ней образ пути – с дорогой, парящим орлом, горами, прериями, лесами. Композицию так и назвали «Путь». Ее решили запомнить и записать, чтобы потом играть вместе.
     В заключительной части занятия мы взяли новую песню – «На море орел». Я показала, как ее играть с помощью известной нам схемы аккордов, обратила внимание на новый ритм. У всех получилось. И еще все сказали, что образ игры по сильным точкам-опорам очень помог, и новая песня с первых шагов зазвучала очень легко. На этом мы завершили занятие.

[Юля]

     Занятия 26 февраля. У нас был перерыв на две недели по причине моей командировки, и я спросила в начале занятия, как идет музыка, не забылось ли то, что было пройдено. Все ответили, что не забылось, что играют на инструментах с радостью и занятий всегда ждут. Диана отметила, что ей очень помогает образ совместной игры по опорным точкам. Что сейчас она не только играет разученные нами песни, но и пробует включаться игрой в самую разную музыку, которую слышит – и все выходит! Это очень здорово. Когда мы обращаем внимание на сильные доли (опорные точки) в музыке, у нас начинает открывается видение музыкальных миров, мы перестаем ходить по ним вслепую, без осознавания, а постепенно включаемся в эти миры, ориентируемся, начинаем творить совместно, т.е. заниматься со-творчеством.
     В этот раз у меня было несколько  инструментов, которые раньше не видели участники класса – это барабан ветра, храмовый бамбуковый колокольчик из Камбоджи, шумовые инструменты бразильских индейцев. Когда мы рассматривали эти инструменты, все говорили о том, что когда их держишь в руках, играешь, то появляется очень приятное, хорошее, радостное, здоровое и биологическое ощущение. Что отличается, например, от многих сложных современных инструментов, сделанных из искусственных материалов. Казалось бы, простейшие инструменты – а сколько вместе с ними открывается! Так как они сделаны из природных материалов, их звуки тоже очень природные. Их главная функция в традиционной культуре – установление связи и гармонии с окружающим миром – даже в условиях города и совершенно другой среды остается и продолжает работать. Конечно, такое исследование надо специально проводить, чтобы отследить по самым разным параметрам, как меняется состояние человека во время игры. Но даже на индивидуальном опыте для каждого положительный эффект был ощутим.
     Мы настроили инструменты и продолжили работать с песней «На море орел». По опорным аккордам все играли уверенно. Я предложила перейти к следующему заданию – сыграть песню на гитаре полноценным ритмом. В качестве аккомпанемента я дала простой ритм, в котором чередуются движения по струнам вверх и вниз: дири-дири-дири-дири и т.д. Этот простой прием используется во многих народных традициях и в России, и в Азии, и в Европе, и в Америке. Во время его игры важно, чтобы удары вверх и вниз по струнам были полноценны и равнозначны, чтобы они не пробалтывались, а звучали по-настоящему. Сначала ритм не у всех получался, и я обратила внимание, что во время его игры мы порой делаем рукой какие-то лишние движения, которые забирают время и мешают легкости руки. Посмотрели, убрали, поиграли подольше. Постепенно рука естественным образом сама выстроилась в таком положении, при котором легче всего играть этот ритм, не затрачивая никаких усилий.  Потом я посоветовала при игре выделять сильные точки, опоры. Когда сделали акценты, музыкальное пространство сразу структурировалось и играть стало легче.
     Так мы поиграли и попели несколько раз «На море орел». Сначала играли вместе, а потом я предложила каждому сыграть самостоятельно, чтобы появилась уверенность в игре и чтобы все выверить. Наташе поначалу было трудно, потому что, как оказалось, она одновременно ставила для себя много разных задач, и на их выполнение не хватало сил. Задачи были следующие: играть ритм и с него не сбиться, брать аккорды и их менять в нужное время, петь. Наташа даже попросила меня попеть, а чтобы она поиграла. Я предложила все эти отдельные задачи упростить и соединить в одну. Каким образом? Во-первых во время игры очень важно петь. Естественное, душевное пение (даже в полголоса или про себя) сразу дает живое движение, в котором можно сразу ощутить моменты силы, опоры, направления, переходы, жизнь. Ритм, который играет правая рука, очень простой и незамысловатый, состоит из простейших естественных движений, которая рука уже знает. Его нужно сначала просто поиграть и дать возможность руке это как бы «вспомнить», воспроизвести. Тогда получается, когда мы поем песню, она звучит у нас внутри, мы ей звучим, а правая рука, играя ритм, является как бы продолжением этой песни. Петь и играть правой рукой можно даже с закрытыми глазами, главное – почувствовать жизнь, движение в песне. Объединяя живое пение с движением правой руки, которое просто является продолжением общего движения песни – мы объединяем и собираем себя, начинаем действовать единым целым. В таком случае остается одна задача, на которую нужно поначалу направить свое внимание: это передвижение левой руки по опорным точкам. Так как мы взяли одну аккордовую схему, то ее просто нужно передвигать по грифу, ничего не меняя. Наташа попробовала объединить все действия в таком ключе, и у нее все получилось.
     Ритм «дири-дири» очень хороший. Я обратила внимание, что его можно играть с подачей силы любого масштаба – от самой деликатной игры до яркой, мощной.
     Мы повторили песню «Миленький ты мой» - попели, поиграли хорошо, легко. Диана сказала, что ей очень понравилось играть по сильным точкам и произвольным заполнением пустоты между ними в зависимости от того, как идет душевное движение. Что благодаря этому получается очень живое пение и живая игра.
     Потом я предложила повторить композицию «Путь», которая у нас родилась в прошлый раз с дарбукой, флейтой и гитарой. Вспомнили не сразу, но постепенно пришли к тому звучанию, которое нам понравилось. У Дианы замечательно идет игра на барабане. Звуки яркие, полноценные, игра очень живая. После этой композиции я дала новый ритм на джембе. Ритм был не простой – афроамериканский – он у всех получился. Мы его поиграли по кругу и взяли на дом как задание.
     После джембе снова вернулись к гитаре, к повторению пентатоники. Я предложила каждому ее вспомнить и по очереди поиграть, наложившись на задаваемый аккомпанемент. Во время игры выявились следующие трудности:
     - Когда начали играть, все сразу забыли об опорных точках – и как следствие перестали чувствовать музыкальное пространство. Увидели это, проговорили, пошло лучше.
     - Другая трудность заключалась в том, что из задачи живой Игры многие сразу перешли в задачу «технической игры по нотам». Соответственно получился и результат: ноты все сыграли правильно, но они не стали музыкой. Так и остались просто набором нот.
Тогда встал вопрос: а как сделать так, чтобы получилась живая мелодия? Ведь мелодия состоит из тех же самых нот. Вопрос очень интересный. Для его рассмотрения я снова обратилась к самым простым музыкальным инструментам – мексиканскому щелевому барабану тепонацтли, на котором всего две ноты. Главное в игре – это живое душевное движение, игра. Это движение можно выразить или передать в самых разных формах – и даже на одной или двух нотах! Это то, что все дети умеют делать и что мы когда-то тоже делали. Только сейчас, в отличие от игры в детском возрасте, важно эту игру проводить через осознавание, образность и ритм. Игре на двух нотах все очень порадовались. Потом я перенесла этот образ на гитару. Все попробовали. У Дианы сразу стала получаться своя мелодия. На следующий раз я дала задание – попробовать поиграть и запомнить свою простую мелодию на любых нотах пентатоники.
     В завершительной части занятия я рассказала об аккордах. Аккорд в музыкальном миротворчестве можно определить как то, что создает фундамент, настроение, состояние и гармонию музыкального пространства. Он во многом определяет и характер движения в музыкальном мире, задает определенные параметры – которые нужно учитывать при игре. Аккорд, как правило, состоит из трех и более нот, созвучных друг с другом. Все предыдущие занятия мы использовали простейшую схему – модальный аккорд. Он является самой простой формой, универсальным обозначением определенного созвучия нот. Более сложная форма – это полноценные аккорды. Они делятся на две группы: мажорные и минорные.
     Мажорные аккорды можно сравнить с Солнцем, и звучание их солнечное, радостное. Минорные – с Луной. Их звучание лунное, грустное. Предыдущий модальный аккорд, который мы уже освоили по сравнению с этими можно было бы назвать просто «светило» или «планета» - но без определения характера и настроения его звучания.
     От каждой ноты можно взять мажорный, минорный и модальный аккорд. Сегодня я дала четыре новых аккорда: ля мажор, ля минор, ми мажор, ми минор. Интересно, что, когда я показала схемы – все сразу взяли эти аккорды полнозвучно и очень легко. Это было за счет того, что во время первых занятий были уже естественным образом усвоены приемы постановки рук, пальцев, движений, игры, переходов. Кроме того, эти четыре новых аккорда я дала в следующей последовательности, при которой сохраняется центральная ось позиции левой руки – что позволяет легко перемещаться, не сбивая сборку. Ля мажор (3, 4, 5 пальцы на втором ладу соответствующих струн 4, 3, 2) – Ми минор (переносим эту конструкцию на струну вверх и убираем 5 палец) – Ми мажор (добавляем к уже имеющейся конструкции второй палец на первом ладу 3 струны) – Ля минор (переносим имеющуюся конструкцию на струну вниз).
     В качестве домашнего задания мы взяли:
     - освоение четырех новых аккордов;
     - сочинение своей мелодии по пентатонике;
     - освоение нового ритма на джембе;
     - объединение пения, движений правой и левой руки в единое целое в песнях.
     Занятие получилось насыщенное. Вижу, что в следующий раз нужно обязательно взять уже полный звукоряд и его отображение на инструменте. Опыт игры и творчества в музыке уже есть, теперь важно дать полную и живую «картину мира» в нотах.

[Юля]

     4 марта на занятии к нашей музыкальной компании присоединились два новых человека. Мы начали со знакомства и целеустроения. Ира сказала, что всегда мечтала играть, но никогда не имела такого опыта. Сегодня ей хочется попробовать себя в музыке, понять, получится ли игра, узнать, какие есть инструменты, возможности. А потом со временем найти свой музыкальный инструмент и продолжить учебу. У остальных целеустроение заключалось в продолжении освоения гитары и законов миротворчества в музыке. Для включения Иры в общее музицирование я рассказала об основах совместной игры. Аня подошла позже с кубинскими барабанами бонго, и я ее сразу ввела в общую игру, показав основные удары и простой ритм. Когда игра закончилась, я спросила у Ани о ее целеустроении на занятие. Аня сказала, что ее главная цель уже осуществилась, потому что когда она шла, она хотела понять, ее ли это инструмент, и получится ли на нем играть. А сейчас во время игры она поняла, что это тот самый инструмент, который она долго искала, и что игра на нем очень отзывается в ее душе и она счастлива.
     Наташа и Диана рассказали о том, как получается песня «На море орел» с аккомпанементом, о трудностях в игре ритма. Я предложила вместе поработать с этой песней.  Сначала мы поиграли по сильным точкам и опорным аккордам. Эта задача очень важна не только для игры на гитаре, но для игры на любом музыкальном инструменте, в том числе ударном. Сильные доли (опорные точки) в музыке помогают чувствовать движение, ориентироваться в пространстве и вписываться в него. Поэтому упражнение было полезным для всех.
     Потом я предложила гитаристам поиграть правой рукой ритм на одном модальном аккорде, чтобы укрепиться в позиции и движениях правой руки. На основе этой совместной игры у нас получилась интересная композиция со следующим составом инструментов: гитары, бонго, бендир, зафун.
     Когда ритм зазвучал уверенно и получилось совмещение в игре, мы перешли к пению песни вместе с аккомпанементом. Получилось замечательно.
     Следующей песней была «Миленький ты мой». Сначала мы сыграли все вместе. Ире и Ане я показала ритмы на ударных инструментах, их вариации и развитие. Гитаристам – дала два новых аккорда: ре мажор (D) и ре минор (Dm), а также аккомпанемент по полным аккордам. Играли и пели вместе. Получалось легко, без пауз, ощущалось единое пространство музыки и песни. Всем понравилось.
     После игры и освоения нового возникла задача как-то записать информацию и этот опыт. Так мы перешли к рассмотрению основ музыкальной теории.
     Пространство в музыкальном миротворчестве имеет два основных измерения – вертикальное и горизонтальное. Вертикальным измерением являются ноты (высота). Горизонтальным – ритм (время, длительность).
     Вертикальное измерение в музыкальном пространстве представлено нотами. Ноты – это точки на вертикали, уходящей бесконечно вверх и вниз. Математически расстояние между нотами измеряется полутонами. Полутон – это один лад на струнных инструментах; один шаг на клавишах фортепиано, учитывая черные и белые. Если рассчитать по полутонам, то математическая схема музыкальной вертикали будет следующая (читается снизу вверх).

Нота   Буквенное обозначение
До                  C
Си                  B
-                    -
Ля                  A
-                    -
Соль               G
-                    -
Фа                  F
Ми                  E
-                    -
Ре                  D
-                    -
До                  C

     Из этой схемы мы видим, что между каждой нотой, кроме пар ми-фа и си-до, расстояние – два шага, т.е. два полутона или 1 тон. Все, что здесь надо запомнить: между всеми нотами расстояние 1 тон, за исключением нот, в названиях которых гласная «и» (это наблюдение Иры!) – после «ми» идет сразу «фа», а после «си» идет сразу «до».
     Следующий вопрос: как обозначить промежуточный шаг между основными нотами. На фортепиано – это черные клавиши. На струнных – это лады. В музыке эти промежуточные ноты между основными принято обозначать по наименованию основных, указывая понижение или повышение. Повышение на полтона называется «диех» и обозначается знаком «#», понижение называется «бемоль» и обозначается знаком «b». Таким образом промежуточная нота, которая стоит между «до» и «ре», может называться «до диез» (C#) или «ре бемоль» (Db). На схеме это можно обозначить следующим образом (читается снизу вверх).


Нота                            Буквенное обозначение
До                                        C
Си                                        B
Ля диез/ Си бемоль              A#/ Bb
Ля                                        A
Соль диез/ Ля бемоль              G#/ Ab
Соль                                      G
Фа диез/ Соль бемоль              F#/ Gb
Фа                                         F
Ми                                         E
Ре диез/ Ми бемоль              D#/ Eb
Ре                                          D
До диез/ Ре бемоль              C#/ Db
До                                         C

     В основе вертикали лежит цикличность и повторность звукоряда на каждом новом витке. Т.е. обозначенный отрезок на прямой повторяется много раз по мере движения вверх, но на новой частоте звучания.

    Теперь перейдем к горизонтальному измерению в музыкальном пространстве. Горизонтальным измерением является длительность каждой ноты. В музыке длительность обозначается не секундами (в музыке время относительно, оно другое), а длительностью одной ноты по сравнению с другой. Математически это можно измерить, когда мы 1 единицу делим на равные части.

1 =   ½ + ½ =    ¼ + ¼ + ¼ + ¼ =   ⅛ + ⅛ + ⅛ + ⅛ + ⅛ + ⅛ + ⅛ + ⅛

     В основе ритма, музыкального измерения времени, также лежит цикличность и повторность. Цикл в ритме – это отражение единого ритма жизни, смены ночи и дня. Сутки или один день – в музыке можно обозначить одним тактом. Длина суток одинаковая, соответственно длина такта одинаковая. Каким образом мы структурируем свое время в течение суток – это дело нашего творчества. Так и в музыкальном такте. Он может иметь различные измерения. Главное – что такты в музыкальном миротворчестве имеют одинаковую длину. Ритм в жизни - это основа здоровья, сотрудничества, совместного действия. Нарушение ритма (аритмия) - создает нарушение здоровья, трудности в сотрудничестве и совместном действии.
     Что это дает. Для ритмического инструмента это дает различные формулы и вариации ритма. Например, вальс. Обозначать буду дробями (для текстового формата форума). Дробь будет обозначать один удар (по барабану, например). «_» - будет обозначать паузу, длиной в ¼.

¼ + ¼ + ¼ = ¼ + ¼ + ¼ = ¼ + ¼ + ¼ = ¼ + ¼ + ¼

Другой рисунок:

_ + ¼ + ¼ = _ + ¼ + ¼ = _ + ¼ + ¼ = _ + ¼ + ¼

Третий вариант:

¼ + _+ ¼ = ¼ + _+ ¼ = ¼ + _+ ¼ = ¼ + _+ ¼

Четвертый вариант:

 ¼ + ⅛ + ⅛ + ⅛ + ⅛ = ¼ + ⅛ + ⅛ + ⅛ + ⅛ = ¼ + ⅛ + ⅛ + ⅛ + ⅛ = ¼ + ⅛ + ⅛ + ⅛ + ⅛

Пятый вариант:

¼ + ⅛ + ⅛ + ¼ = ¼ + ⅛ + ⅛ + ¼ = ¼ + ⅛ + ⅛ + ¼ = ¼ + ⅛ + ⅛ + ¼

     Вариантов сочетания долей в одном целом – бесконечное количество. Здесь я привела лишь несколько примеров.
     С помощью этих знаний мы:
     - записали аккорды и нашли их местоположение на гитаре;
     - записали ритмы и их вариации, которые мы играли на ударных инструментах.
     В конце занятия я спросила, все ли понятно, полезна ли эта информация, и помогает ли она каждому в достижении своих целей в музыкальной науке. Все сказали, что нужна, интересна и понятна – особенно, когда накладывается на живой опыт совместной игры и собственных наблюдений. Другое дело, что освоение, воплощение на практике и осознавание этой информации – это не точечное действие, но процесс, которому мы обязательно будем в дальнейшем уделять время, по мере необходимости.

[Юля]

     Занятие 10 марта началось с посиделок. За чаем мы обсудили целеустроение. Задачей гитаристов было продолжать осваивать игру, аккорды, ритмы и миротворчество на гитаре. Задача Иры – пробовать себя в музыке, осваивать ритмические инструменты. В этот раз к составу группы подключился Шота, владеющий основами игры на гитаре. Его целеустроение на занятия – научиться ориентироваться на инструменте, в нотах, аккордах, научиться играть инструментальную музыку, мелодии вместе с аккомпанементом, научиться подбирать музыку и писать самому. Я сказала, что это все можно освоить и развить в себе, правда не за один раз, но постепенно. И сегодня мы сделаем несколько шагов в этом направлении.
     Так как на предыдущем занятии мы брали ряд теоретических моментов, то сразу возникли вопросы для обсуждения. Шота спросил меня, что такое модальный аккорд, чем он отличается от обычных и зачем он нужен.
     Классический аккорд состоит из созвучия трех нот. Он бывает двух видов: мажорный (Солнце) и минорный (Луна). В качестве единицы измерения расстояния между нотами мы берем 1 полутон. На гитаре – один полутон это один лад. На фортепиано – это шаг между двумя клавишами (включая белые и черные). В полутонах формулы мажора и минора можно обозначить следующим образом: мажор 4-3; минор 3-4. Т.е. у мажорного аккорда между первой и второй нотой расстояние 4 полутона, между второй и третьей – 3 полутона; у минорного – наоборот 3 – между первыми двумя и 4 – между второй и третьей.
     Модальный аккорд. В мажорном и минорном аккорде есть ноты общие – это первая и третья нота, составляющие аккорд. Из них как раз и строится модальный аккорд. Он представляет собой некую обобщенную форму и обладает характеристиками, едиными для мажорных и минорных аккордов, а значит воплощает в себе явление как таковое без конкретного характера или настроения. Например: планета как явление, или стихия как таковая без уточнения. Модальное звучание используется в музыкальных традициях самых разных народов востока и запада. Определяющей в классическом аккорде является вторая составляющая его нота – именно ее положение окрашивает звучание в солнечное или лунное.
     В процессе обучения игре на гитаре мы взяли модальный аккорд в качестве основы по следующим причинам:
     - его удобно брать (одна схема левой руки, которой можно сыграть все модальные аккорды от любой ноты);
     - с помощью одной единственной схемы можно сыграть аккомпанемент к любой песне и мелодии;
     - с помощью него можно сразу начинать осваивать музыку через творческий опыт живой, совместной игры.
     После разговора о математических основах музыки за чашкой чая, мы настроили инструменты и перешли к игре. Начали с песни «Миленький ты мой». Начинающие гитаристы играли по полным аккордам, которые разобрали в прошлый раз, а Шота играл по модальным аккордам. Игралось и пелось хорошо. У Дианы и Наташи очень легко и хорошо получался аккомпанемент, смена аккордов, ритм, пение. Ира играла освоенный на прошлом занятии ритм на барабане. Шота через игру по модальным аккордам начинал постепенно ориентироваться в звукоряде.
     Для того, чтобы подбирать музыку на гитаре или на любом инструменте, необходимо знать местонахождение нот. В качестве упражнений для запоминания звукоряда на гитаре мы берем следующее:
     - игра звукоряда по ладам на каждой струне с названием нот. После каждой ноты идет диез, кроме двух нот с гласной «и»: после «ми» сразу идет «фа», и после «си» сразу идет «до».
     - игра по модальным аккордам с их латинскими названиями (А, В, Е и т.д.); такая игра помогает запомнить местонахождение нот – верхняя нота, от которой строится схема, является основной и определяющей.
     Потом мы перешли к следующему произведению – «Путь», которое родилось у нас в процессе совместной игры на одном из занятий. Ритмы джембе и зулусского барабана мы «развели», сделали разные рисунки. Наташа играла на гитаре по модальным аккордам. Я на флейте. А Шоте я показала пентатонику на гитаре. Если на прошлых занятиях мы брали пентатонику только по трем струнам, то сегодня мы взяли по всем шести струнам гитары. Это было полезно для всех, а Шоте дало возможность включиться в общую игру со своей мелодией по пентатонике. Получилось хорошо.
     Я спросила у Наташи и Дианы, получается ли придумывать мелодии по пентатонике. Они сказали, что периодически возникают мелодии, каждый раз разные. Мы поиграли вместе, давая возможность каждому по очереди сыграть свое соло-импровизацию на гитаре. У всех получилось.
     Потом мы взяли новую песню – «По Дону гуляет казак молодой». Для Дианы и Наташи здесь добавился один новый аккорд – соль мажор. Шота играл по обычным аккордам легко, поэтому во время общей игры включался новым для себя способом – модальными аккордами. Ира играла различные вариации ритма на барабане. Песня у всех получилась сразу.
     Потом, так как у Шоты был запрос на игру мелодий, я всем показала, как играть тему этой песни на гитаре. Для удобства на этом этапе освоения музыки мы ее записали цифрами. Первая цифра означает лад, а цифра в скобках – струну. Мелодия у всех получилась – осталось только ее поиграть самостоятельно дома. На этом мы закончили занятие.
     Какие важные для себя наблюдения я вынесла.
     1.   Постепенно рождается методика обучения музыкальному миротворчеству на основе совместной игры на разных инструментах, людей с разным уровнем подготовки. При совместной игре есть общее дело, которое объединяет и дает живой опыт игры – это музыкальное миротворчество, в котором у каждого есть своя конкретная задача. Через игру можно каждому давать индивидуальные рекомендации и упражнения для продвижения. Вместе с тем эти упражнения могут быть полезны для всех, так как раскрывают общие законы музыкального миротворчества.
     2.   Для продвижения в музыкальных занятиях очень важно индивидуальное целеустроение на учебу и наличие своего инструмента. Без четкой задачи и конкретного, своего инструмента, на котором ты играешь не только на занятиях, но и по жизни, смысл обучения теряется.
     3.   Освоение и разбор музыкальной теории – очень интересное и увлекательное дело, если это является не абстрактной информацией без конкретного применения, но тем, что помогает осмыслить и понять свой живой творческий опыт в музыке и в жизни.